当前位置:bwin必赢 > 生活 > 第三十届MoMA,MoMA新摄影展30周年

第三十届MoMA,MoMA新摄影展30周年

文章作者:生活 上传时间:2019-07-18

原标题:回到未来:第三第十届MoMA“新油绘画作品展览”

  纽约。每年深秋,纽约现代艺术博物馆(MoMA)都会如期迎来“新摄影”(New Photography)展览。“新摄影”顾名思义就是展出过去一年内,摄影界新的作品、新的焦点。到今年,这一主题展已经走过了三十周年。“新摄影展”每年由MoMA摄影部组织策划。MoMA自20世纪30年代就已经开始收藏摄影作品,并于1940年成立了摄影部——一个几乎以一己之力把摄影推向艺术行列的策展部。继博蒙特·纽荷尔(Beaumont Newhall)和爱德华·斯泰肯(Edward Steichen)担任摄影部首席策展人之后,MoMA以及整个美国摄影界迎来了后来被称为“摄影的审判台”上的约翰·沙可夫斯基(John Szarkowski)。约翰·沙可夫斯基是首届“新摄影展”系列的创始人,也是摄影评论巨作《摄影师之眼》(The Photographer’s Eye)的作者——一把奠定摄影艺术性的标尺。在广泛争论摄影是否为艺术的大背景下,“新摄影展”的创立初衷就是“发现发觉尚不为人知的摄影艺术”,这也成为了之后30年MoMA摄影部不遗余力的追求。

  “图像之海:新摄影2015”展览现场,以色列艺术家伊力特·阿左雷 Ilit Azoulay作品《偏移的确定性》

  于纽约时间11月7日开幕的新一届“新摄影”展题为“图像的海洋”(Ocean of Images),试图探索在互联网时代基于图像的“生命”,这一探索是通过检索当今各种艺术家的实践完成的,包括诞生在数字空间里的图像,在工作室或现实世界利用扫描仪或镜片制成的图像,图像静止或运动的呈现,或是以杂志的形式传播的图像,以及“进化”成三维物体和声音的影像……如此丰富的形式,似乎大大拓宽了摄影原本的概念边界。在接受《艺术新闻/中文版》采访,并被问及本次展览是不是想重新定义摄影的时候,策展人昆汀·巴耶克(Quentin Bajac)说:“本次展览并不是尝试得到一个论点,而是尝试研究摄影与图像在当今社会中存在、利用的形式。”

  展厅的19位艺术家的作品由纽约视觉艺术学院教授卢卡斯·布莱洛克(Lucas Blalock)的作品串联起来。布莱洛克的作品利用数字技术,例如Photoshop中的“图像自识别”(Content Aware)技术,展示了迁移到数字空间内图像的随机性和超现实性。笔者认为这是一种几乎偏执的对“变化产生于规则”的追求。例如布莱洛克的两幅存在细微差别的《鞋》系列,分布在不同展厅的不同区域,时刻的叩问观者“是否已经在展览中看过这张作品?”让本来线性的展览变得跳跃。如同德国图像哲学家维兰·傅拉瑟(Vilém Flusser)在上世纪70年代提出的疑问,如果在一个图像饱和的世界里,我们还可以意识到图像的存在吗?或许我们不再对重复的图像而敏感,我们所能看到的只会是未曾谋面的“新”图像——变化带来信息点。

  展厅第一组作品来自美国艺术家组合DIS。他们把MoMA的水印加在作品上——但事实上MoMA并不拥有这些图像。水印广泛的存在互联网上,例如微博、微信上的签名,被用来强调作者的版权。这种功能性的图像标志,已经成为人们观看网络图像不可缺少的部分。DIS作品中所利用的是各类“罐头”图像——一种负责给各种出版媒介供图的商业摄影形式。“罐头”图像广泛存在于各种商业图库,例如Dreamstime和Shutterstock等,这类图像在制作的时候多没有明确的指向性以便被使用在不同的语境下。艺术家将这一象征版权的水印方式用在MoMA此次展览的作品中,将美术馆与艺术家作品之间微妙的控制关系以冷静的幽默方式呈现出来。

  和DIS的作品交相辉映的是大卫·霍维茨(David Horvitz)的《情绪失调》。霍维茨以表达一种“失落抑郁”的情绪创作了一张题为《情绪失调》的“罐头”照片,然后被放置在维基百科“情绪失调”条目下。因为被霍维茨标注为“无版权”作品,这张照片之后被广泛的引用——包括抑郁症自杀的新闻,医学期刊和悬疑小说等等。艺术家将这些网页和出版物整理成册出版。

  在DIS和霍维茨探寻网络中图像传播形式的时候,意大利艺术家Lele Saveri的报刊亭则以“线下”的方式对同一问题作了探寻。Lele Saveri与商家合作,在纽约布鲁克林最繁华的地铁L线Lorimer车站内开设了一家真的报刊亭,主营独立出版物和摄影书。在Saveri的报刊亭边上是爱德森·恰加斯(Edson Chagas)的五叠题为《发现未拿走》的巨幅传单,告诉路人来到展厅可以任意取走一张或者多张艺术家在MoMA展出过的原版作品。恰加斯把传单这种图像传播的“古老”而又随意的形式搬进MoMA这个标准的艺术“白空间”(White Cube),不仅在挑战博物馆对于“图像”作品的收藏和展览的态度,也是把观众的目光重新引导到图像传播的历史之中。

  如果说恰加斯的“传单”形式是把图像转变为我们可以触摸到的物体,那么立陶宛艺术家印德尔·瑟普缇特(Indre Serpytyte)的创作方式则恰恰相反。印德尔·瑟普缇特依据历史资料先制作出前苏联时期秘密警察据点建筑的木质模型,再将模型翻拍成黑白照片。在展览中黑白照片与模型一前一后同时展出,在思考历史社会事件的同时,瑟普缇特的《KGB审讯屋》系列从另外一个角度探讨了“图像和物体”的关系。约翰·霍克( John Houck)在数字空间中利用拼贴技术,把日常生活中平实的物品构建出一个超现实的环境。初看约翰·霍克的静物作品并不起眼,但仔细观察就会发现其中微妙的穿插破碎的透视关系。策展人昆汀·巴耶克说:“瑟普缇特和霍克通过‘图像与物体’这组关系引发我们对于摄影极限的思考。瑟普缇特的模型是照片的补充信息,或者照片只是模型的一个‘真实切片’;霍克的照片却把图像引导到了另一种与物体的关系——与真实无关。”

  日本的志贺理江子对真实有另一番理解。在《螺旋海岸》中她尝试创造出一种“现实中的怪诞”她利用这种构成摄影(Constructed Photography)的方式,在巧妙的场面调度下寻找着影像的不确定性。她的作品与兹比涅克·巴拉德(Zbynek Baladran)的视频作品《狄德罗的梦》一同展出,压暗的灯光下,兹比涅克·巴拉德摇曳的烛光为志贺理江子的作品添了一分神秘。日本艺术家木村友纪通过50年代的老照片和真实绿色植物围成一座小型迷宫,构建出一种真实而虚假的存在。加拿大艺术家大卫·哈特(David Hartt)记录了密歇根州政治政策中心内的陈设,展现了摄影的“初心”——纪实性。阿努克·克鲁托夫(Anouk Kruithof)则在《潜意识的旅行》中通过闪光灯在空白iPhone屏幕上的反射,来探讨真实到底来自于外在物件还是人的内心。

  这次MoMA的“新摄影展”似乎并没有如同去年国际摄影中心(International Center of Photography)的“什么是照片”一样力图解释“什么是摄影”或是尝试梳理摄影与其他媒介之间的关系。摄影始于一种作为画家的辅助工具,自诞生起走上了与绘画的“抗争”之路。本次“新摄影展”并没有着重于此进行探讨,而是如巴耶克所言,“回归摄影本体,研究摄影作为图像的‘生命’。”这次“新摄影展”在形式和规模上呼应约翰·沙可夫斯基首届的同时,巴耶克坦言他并不想像沙可夫斯基那样定义的“细节”、“取景框”和“视点”等提出确定的答案。并且他和MoMA没有打算出21世纪版的《摄影师之眼》。因为他觉得“我们在一个不同的时代,摄影已经成为艺术的一部分,很多参展者习惯称自己为‘艺术家’而不是‘摄影师’。”

  美国艺术家组合DIS将MoMA的水印加在作品上,把美术馆与艺术家作品之间微妙的控制关系以冷静幽默的方式呈现出来

  卢卡斯·布莱洛克的作品,两幅左右颠倒的《鞋》只存在细微的差别,分布在不同的展厅的不同区域,时刻叩问观者“是否已经在展览中看过这张作品?”

意大利艺术家Lele Saveri在纽约地铁车站内开设的报刊亭,主营独立出版物和摄影书

  印德尔·瑟普缇特依据历史资料先制作出前苏联时期秘密警察据点建筑的木质模型,再将模型翻拍成黑白照片

志贺理江子尝试创造出一种“现实中的怪诞”,她利用这种构成摄影寻找着影像的不确定性
从1985年开始MoMA开始举办“新摄影展”。入选的摄影师均对“以摄影为为媒介的艺术”有实验性的创新和智慧的表达,对摄影的抽象和具象,纪实和观念,手工唯一性和无限复制性,胶片和数码等话题提出自己的观点。2013年度的展览9月14日开幕,2014年1月6日闭幕。 本年度展览,由八个国际艺术家们的作品组成。重新定义了摄影作为一种媒介的实验和学术调查。其多重实践,建立在摄影书籍、大众传媒、合成照片、音乐、电影和理解一幅照片可以代表什么的学术探讨。摄影,在这个扩大的话语场中,矗立在尚未取消映射关系等艺术学科之中。这些关系有助于图像的记录,发现和解释。强调从未有过的,不只是一种类型的摄影,艺术家在本次展会上探索抽象和具象,纪录片和概念的工艺,独特的手工制作和机械重复性,与模拟和数字技术之间的辩证关系。因此,他们将图片的问题,创造性地重新审视。 展览由馆长Roxana Marcoci和摄影部策展助理Katerina Stathopoulo组织。 稍后本网将独家奉献1976年举办的新纪实摄影展的作品,并请专家解读如何观看这些所谓的新摄影。小伙伴们,敬请期待吧。

每年深秋,纽约现代艺术博物馆(MoMA)都会如期迎来“新摄影”(New Photography)展览。“新摄影”顾名思义就是展出过去一年内,摄影界新的作品、新的焦点。到今年,这一主题展已经走过了三十周年。“新摄影展”每年由MoMA摄影部组织策划。MoMA自20世纪30年代就已经开始收藏摄影作品,并于1940年成立了摄影部——一个几乎以一己之力把摄影推向艺术行列的策展部。继博蒙特·纽荷尔(Beaumont Newhall)和爱德华·斯泰肯(Edward Steichen)担任摄影部首席策展人之后,MoMA以及整个美国摄影界迎来了后来被称为“摄影的审判台”上的约翰·沙可夫斯基(John Szarkowski)。约翰·沙可夫斯基是首届“新摄影展”系列的创始人,也是摄影评论巨作《摄影师之眼》(The Photographer’s Eye)的作者——一把奠定摄影艺术性的标尺。在广泛争论摄影是否为艺术的大背景下,“新摄影展”的创立初衷就是“发现发觉尚不为人知的摄影艺术”,这也成为了之后30年MoMA摄影部不遗余力的追求。

▲ “图像之海:新摄影2015”展览现场,以色列艺术家伊力特·阿左雷 Ilit Azoulay作品《偏移的确定性》

于纽约时间11月7日开幕的新一届“新摄影”展题为“图像的海洋”(Ocean of Images),试图探索在互联网时代基于图像的“生命”,这一探索是通过检索当今各种艺术家的实践完成的,包括诞生在数字空间里的图像,在工作室或现实世界利用扫描仪或镜片制成的图像,图像静止或运动的呈现,或是以杂志的形式传播的图像,以及“进化”成三维物体和声音的影像......如此丰富的形式,似乎大大拓宽了摄影原本的概念边界。在接受《艺术新闻/中文版》采访,并被问及本次展览是不是想重新定义摄影的时候,策展人昆汀·巴耶克(Quentin Bajac)说:“本次展览并不是尝试得到一个论点,而是尝试研究摄影与图像在当今社会中存在、利用的形式。”

▲ 卢卡斯·布莱洛克的作品,两幅左右颠倒的《鞋》只存在细微的差别,分布在不同的展厅的不同区域,时刻叩问观者“是否已经在展览中看过这张作品?”

展厅的19位艺术家的作品由纽约视觉艺术学院教授卢卡斯·布莱洛克(Lucas Blalock)的作品串联起来。布莱洛克的作品利用数字技术,例如Photoshop中的“图像自识别”(Content Aware)技术,展示了迁移到数字空间内图像的随机性和超现实性。笔者认为这是一种几乎偏执的对“变化产生于规则”的追求。例如布莱洛克的两幅存在细微差别的《鞋》系列,分布在不同展厅的不同区域,时刻的叩问观者“是否已经在展览中看过这张作品?”让本来线性的展览变得跳跃。如同德国图像哲学家维兰·傅拉瑟(Vilém Flusser)在上世纪70年代提出的疑问,如果在一个图像饱和的世界里,我们还可以意识到图像的存在吗?或许我们不再对重复的图像而敏感,我们所能看到的只会是未曾谋面的“新”图像——变化带来信息点。

▲ 美国艺术家组合DIS将MoMA的水印加在作品上,把美术馆与艺术家作品之间微妙的控制关系以冷静幽默的方式呈现出来

展厅第一组作品来自美国艺术家组合DIS。他们把MoMA的水印加在作品上——但事实上MoMA并不拥有这些图像。水印广泛的存在互联网上,例如微博、微信上的签名,被用来强调作者的版权。这种功能性的图像标志,已经成为人们观看网络图像不可缺少的部分。DIS作品中所利用的是各类“罐头”图像——一种负责给各种出版媒介供图的商业摄影形式。“罐头”图像广泛存在于各种商业图库,例如Dreamstime和Shutterstock等,这类图像在制作的时候多没有明确的指向性以便被使用在不同的语境下。艺术家将这一象征版权的水印方式用在MoMA此次展览的作品中,将美术馆与艺术家作品之间微妙的控制关系以冷静的幽默方式呈现出来。

第三十届MoMA,MoMA新摄影展30周年。London当代艺术博物馆(MoMA)“新水墨绘画作品展览”(New Photography),是贪滥无厌人拭目以俟的展出。终究这么些曾被称作具有“水墨画审判席”地位的博物院,就要该展览中展出哪些美学家的新文章?那么些小说是否富有新观念?以及是不是暗暗提示水墨画发展的新势头?的确值得大家的想望。

12 / 2 页下一页

bwin56必赢手机版,  MoMA在二零一五年暂停举行该展览之后,于二零一五年十月7日出产了第三第十届“新摄电影展览放映”,同不经常间发表从今现在将以双年展的款式进行该展览。本届“新摄影展”第1回有副标题,名称为“影像的海域(Ocean of Images)”,并将参加展览歌唱家扩充到十七个人,分别来自美利哥以及澳洲、澳大佛罗伦萨(Australia)和南美洲等十七个国家。该展览不止从规模上的话是历届最大的,而且从格局和剧情来看发生了质的改动。

  对于四个长生不老举行的展览来讲,第三第十届展览应当是三个里程碑。1983年,John·萨考斯基公司第2届展览时的当初的愿景是,“能代表新雕塑最风趣的姣好”。在过往的三十载,该展览确实展现了世界各国水墨画师在及时所获取的许多新成就。固然有个别年份未必都最有创新意识,但过多参加展览的水墨美学家已改成我们,如Philip·洛尔卡·迪科西亚(Philip Lorca diCorcia)、Paul·格雷汉姆(Paul Graham)、莱涅克·狄克斯特拉(Rineke Dijkstra)和Wolfgang·提尔曼斯(Wolfgang Tillmans)等。

  本届展览之所以有“质的变迁”,是因为展出的著述已与八年前上一届展出的拍照小说有实质上的不等,它们均注明因特网、社交媒体和数码本领诞生以来拍戏的现状和趋势。即使依据MoMA摄影部主管昆廷·巴雅克(QuentinBajac)所述,这一个小说“依然是用光作画”,但参加展览艺术家是在探寻水墨画所面对的一部分新主题素材,他们的文章显明已扩充了摄像的概念和边际以及发挥手法和思想,并且,均申明影艺正在发生巨变。

  本次参加展览的音乐大师绝大相当多是“70后”和“80后”,他们被称作“后因特网一代(Post-Internet Generation)”,泛指因特网出现之后的一世。假设说,一九七九时代在美利坚同盟军现身的“图片一代(Pictures Generation)”水墨画音乐大师首借使从杂志、TV和影视等媒介挪用图片的话,“后因特网一代”的美学家则根本是从因特网和交际媒体上下载、合成和扩散影像,在这之中富含静态印象和动态影象。所以,本届展览小说的变现方式各区别,富含静态照片、动态摄像、装置和画册等。

  这个音乐大师好些个未有受过油画的职业磨练,因而,不感觉自个儿是摄影家。他们在编慕与著述时,并不体贴他们所制作的形象是还是不是如罗兰·Bart关于摄影“曾经在”的概念,换句话说,他们早就不像古板水墨画家捕捉镜头前已经存在过的切实世界气象,而是更关怀因特网问世之后所存在的充满印象的具体世界和虚构世界,并更关爱在炮制她们依据印象文章时的作文科理科念和表现手法等难题。

  在她们看来,因特网是一个聚齐影象的枢纽、挪用和扩散影象的水道,以及与客人创立联系的杜撰空间。他们以独家的艺术搜求大家怎么着体验“因特网时期”的现实。由此,他们的创作或者将照片上传出因特网让其人身自由传播的结果;或是从因特网下载影象并将其拓宽制作成如水墨画的三个维度物件;或是将数据和效仿水墨画本领合成的印象通过网络流传;或是制作成手工业画册、网络单身杂志(zine)及安装和拍录等花样。

  在本届展览中,十分多美术师均直接或直接地借助因特网来创作其创作。美利坚联邦合众国乐师范大学卫·霍维茨(大卫Horvitz)曾拍戏一幅协和双臂抱头的照片,之后将该照片上传到维基百科网站关于“心思障碍”的网页,来查究照片被挪用和“疯传”的景况。结果,他的那幅照片被因特网络的非常多笔录、博客和论坛等网站使用。该美术大师后来访谈了这几个应用那幅照片的网页,并将它们成为一本画册情势的小说。  

bwin56必赢手机版 1

大卫·霍维茨,心绪障碍,贰零壹陆年

  霍维茨的这件文章发布了图像在因特网和交际媒体上不停被流传的现象,而图像在扩散进度中会加强它们在观众纪念中的影象。若是某一幅图像能在网络上被疯传,则有相当的大可能率产生某一个事件的表示。网络上曾疯传被戴上黑帽双手接上电线罚站的伊拉克囚犯照片,该照片已成为伊拉克战斗的代表,便表达了那或多或少。霍维茨双臂抱头的自拍照经过互连网的传入,加上他本身通过这件小说本人的再传出,使得她的那幅自拍像也说不定变为精神病者形象的代表。

bwin56必赢手机版 2

卡佳 诺维茨科娃,类似物种(孔雀蜘蛛),二〇一六年

  爱沙尼亚音乐家卡佳·诺维茨科娃(Katja Novitskova)则是在互联网上商讨地球生态系统与动植物种类之间联合发展难题,以及人类活动天地的庞大与生物种种性之间的关系。她在网络上查找种种动物体系的衍生和变化照片,并将它们下载后制作成大型的水墨画。本次展览展出他基于英特网一张在澳国意识的 “孔雀蜘蛛”的照片制作的水墨画,作为自然现象和网络现象的复出。

  DIS是于二〇〇八年在美利哥起家的贰个歌唱家小组。那么些由四个人创始成员结合的乐师小组首先以创造独立杂志作为指标,推出堪称DIS Magazine网络杂志,后来又演化成图影片仓库,特意摄录一些可被用来差别语境的照片。那几个照片疑似可以通用的仓库储存图片,又极度奇异和奇特。它们既可说是艺术文章,也可被用来其余目标。该小组还聘请设计员创设有DIS标志的行李装运供发卖。因此,DIS已被视为几个多用途的阳台,能创作艺术品,也能拓展商业运作,是跨图像、前卫、艺术和经济贸易等领域的互连网。

bwin56必赢手机版 3

DIS,积极的左顾右盼(胡须、讲台、提词器、鼓风机、信心), 二〇一四年,由今世方法博物院委托创制

本文由bwin必赢发布于生活,转载请注明出处:第三十届MoMA,MoMA新摄影展30周年

关键词: 摄影器材 影楼摄影 化妆教程 影楼化妆 摄影展